L’ italiana in Algeri (Emanuele Luzzati & Giulio Gianini, 1968)

La italiana en Argel

Italia | 10 min | Italiano c/Subtítulos Español

Isabella, una bella muchacha italiana, naufraga junto a su amante en las costas de Argelia, en donde su belleza será codiciada por el propio por el sultán...

Film elaborado a manera de segunda parte de la trilogía que los autores dedican al compositor italiano Gioachino Rossini. Siendo La Gazza Ladra, 1964 la primera parte; L’ italiana in Algeri de 1968 la segunda y Pulcinella de 1973 la tercera y última parte.

El trabajo de Luzzati con el cine de animación comenzó a partir de su encuentro en Roma en 1955 con Giulio Gianini, premiadísimo director de fotografía y uno de los pioneros en Italia en el uso del color. El interés de ambos por las imágenes animadas en movimiento coincidía, y casi inmediatamente iniciaron a trabajar juntos en films de animación, con Luzzati creando los diseños y Gianini realizando la fotografía y el movimiento de los personajes.

La técnica usada, sin embargo, no era el dibujo animado clásico, sino el llamado découpage o cut-out, o sea, el uso de figuras recortadas que son movidas manualmente por el artista y fotografiadas, cuadro a cuadro. Entre los más conocidos animadores que utilizan tal técnica están la pionera alemana Lotte Reiniger, con sus films de siluetas en blanco y negro, y el ruso Yuri Norstein, tal vez el mayor maestro de la técnica, con su utilización de diversas camadas pictóricas que dan la idea de tridimensionalidad.

Tomás Enrique Creus, "Entre el teatro y el cine de animación: apuntes sobre la obra de Emanuele Luzzati"; Telondefondo, Revista de Teoría y Crítica Teatral, nº 4, diciembre 2006. (telondefondo.org)

Capturas de pantalla y Subtítulos en español por Yefren

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Erebus (Georgios Cherouvim, 2010)

Érebo

Grecia | 2 min | Sin Diálogos

Un fantástico y poligonal planeta se enfrenta a su inexorable extinción, pues una colosal masa de fuego se acerca a su órbita, trayendo consigo aquella sombra que inunda el vacío cósmico, trae consigo a Érebo, la osucridad primordial.

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Le nez (Alexander Alexeieff & Claire Parker, 1963)

The Nose / La Nariz

Francia | 11 min | Sin Diálogos

Adaptación libre del relato de N. Gogol que narra las extrañas peripecias de un sujeto que, tras despertar una mañana y al verse en el espejo, se percata con sumo asombro de que su nariz huyó de su rostro, por lo que decide ir en su búsqueda.

"(...) Alexeieff inventó varias técnicas de animación, entre ellas el pinscreen (con la ayuda de sus dos esposas -no simultáneas- Alexandra Grinevsky y Claire Parker). El pinscreen es una tabla perforada con millones de alfileres, sobre la que se van “dibujando” uno a uno los cuadros de la película. Cuando los alfileres son empujados del todo e iluminados oblicuamente se crea una superficie totalmente negra. Cuando sobresalen del todo, se crea una superficie blanca. Variando la profundidad se obtienen infinitas gamas de gris.

Se trata de una técnica que requiere una paciencia y una concentración sobrehumanas. Por si eso fuera poco, es imposible hacer correcciones. Todos estos obstáculos nos ayudan a comprender el talento descomunal que poseía este hombre (que, para colmo, no realizaba jamás bocetos previos) y por qué apenas ha tenido seguidores.

La técnica es tan laboriosa que Alexeieff sólo realizó seis cortos en toda su carrera, más algunas ilustraciones y anuncios. Os dejo aquí uno de sus trabajos, La Nariz, basado en un relato de Gogol. El corto es de 1963, aunque ya trabajaba esta técnica a principios de los años 30." (Alan Grané contra las ideillas grises)

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Dosnumas (Zenonas Steinys, 1988)

Generosidad

Lituania | 10 min | Sin diálogos

Imágenes de ensueño recorren las etapas de la vida humana: niñez, adolescencia, adultez y vejez.

Capturas de pantalla por wusunfu (KG)

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De Género Humano (Victoria Karmín & Josué Peralta, 2011)

México | 3 min | Sin Diálogos

Todo empieza cuando una muchacha, al escuchar a sus vecinos tener sexo, comienza a masturbarse, hasta que es descubierta por su conservadora y beata madre. Un transgresor film que ejemplifica a cabalidad la situación de la diversidad sexual en muchos países latinoamericanos, donde hay una ambivalente y marcada coexistencia de posiciones morales y éticas al respecto. Es también una denuncia orientada hacia esa doble moral operada masivamente a través de la iglesia o la televisión, siendo así este cortometraje un mensaje de libertad y liberación sexual.

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Carrousel boréal (Władysław Starewicz, 1958)

Winter Carousel / Carrusel Invernal

Francia | 12 min | Sin Diálogos

En un carruaje tirado por liebres llega el invierno, representado por una juguetona oveja blanca. En su camino encuentra a un par de amigos, una liebre y un pequeño oso. Los tres se divierten tanto que sin darse cuenta llegarán al escondido carrusel invernal que es orquestado por un muñeco de nieve,. Allí, su diversión durará hasta que la primavera se avecine. Contando con setenta y cinco años de edad en su estreno, esta será la última obra proyectada del pionero y veterano de la animación por fotograma Władysław Starewicz.

"Las películas de Ladislaw Starewicz (1882-1965), referente ineludible de la técnica del stop-motion (animación fotograma a fotograma), destacan por la singularidad de la puesta en escena, normalmente realizada con sofisticados animales a caballo entre el museo de zoología y la fantasía surrealista. Entomólogo de formación y cineasta autodidacta, Starewicz filmó en Rusia y Francia más de un centenar de películas, desde principios de siglo hasta 1965. Tras iniciarse en el cine en los estudios Khanzhonkov y dirigir cine con actores, descubrió en la animación un medio ideal para desarrollar su desbordada imaginación, su habilidad técnica y su destreza como titiritero. Cien años más tarde, gracias a la actualidad de las historias y a la manera de contarlas, sus marionetas mantienen toda su vigencia. 

Starewicz se inició en la técnica stop-motion con intenciones documentales, para reproducir el apareamiento de los escarabajos-ciervo, imposible de registrar en vivo con los medios de la época. Así, con Lucanus Cervus (1910), se convierte involuntariamente en un pionero de la animación de marionetas. Si bien Emile Cohl, Méliès o Segundo de Chomón habían utilizado la técnica del rodaje foto a foto con anterioridad, es Starewicz quien le saca el máximo partido con sus sorprendentes e imaginativas historias. A partir de Lucanus Cervus, hoy perdida, Starewicz se adentra de lleno en el mundo de las fábulas y otras ficciones interpretadas por alucinantes criaturas de su factura. Sus personajes, hechos algunos a partir de esqueletos de pájaros y animales antropomórficos cubiertos de pieles verdaderas, parecen sacados de un peculiar gabinete de maravillas. Su técnica y calidad artística han sido alabadas por directores como Terry Gilliam, Nick Park y John Lasseter, y han influido notablemente en el trabajo de realizadores como Tim Burton, los hermanos Quay, Joel Meter-Witkin y Kyle Cooper. 

Aunque Starewicz gozó de reconocimiento en su época, -e incluso se le comparó con Walt Disney en los años treinta-, tras su muerte, sus películas fueron cayendo en el olvido. No sería hasta principios de los años noventa del siglo pasado, cuando festivales especializados como el de Annecy o el de Ottawa, e historiadores de la talla de Giannalberto Bendazzi o Jane Pilling, lo rescataran de nuevo. En el año 2002 se restauró finalmente el total de su obra francesa (dedicada a la animación). Las películas de su período ruso (es decir, previas a 1920, fecha en que se trasladó Francia) no han tenido la misma suerte. (...)" (MACBA)

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Pulcinella (Emanuele Luzzati & Giulio Gianini, 1973)

Italia | 11 min | Sin Diálogos

Pulcinella duerme en la comodidad de su cama hasta que es despertado por los gritos de su esposa, quien obliga al durmiente a salir de casa y, en consecuencia, a vérselas con los agentes de la autoridad. Pulcinella es la conclusión de una trilogía que los autores dedican al compositor italiano Gioachino Rossini, utilizando en este caso como melodía la obertura del dramma buffo per musica Il turco in Italia.

"(...) Es quizás uno de los trabajos más acertados de Gianini y Luzzati. Además del perfecto acompañamiento que las imágenes hacen a la música, aquí hay también la lograda creación de un personaje humano vivaz y una breve historia de gran empatía con el espectador. Para Gianni Rondolino, “Rica de momentos no solo humorísticos sino también patéticos y melancólicos, Pulcinella es ciertamente la obra más completa y original de los dos autores italianos”.

Además, en este film el referimiento al mundo del teatro está presente todo el tiempo, desde el propio protagonista Pulcinella (personaje clásico de la Commedia dell’Arte), a los varios elementos teatrales utilizados en el film. Por ejemplo, en la escena del sueño de Pulcinella, el techo de la casa sobre el cual él se refugia se transforma en un palco de teatro: las cortinas se abren y vemos entonces el proprio Pulcinella que baila en el escenario, observado por los espectadores: el teatro replicado dentro del cine.

En líneas generales el film cuenta la tentativa de fuga de Pulcinella, que sólo desearía dormir, pero es perseguido (en la realidad y en el sueño) por figuras represivas — representadas, en el ambiente doméstico, por su mujer (que lo despierta y lo manda a trabajar), y fuera de la casa por los soldados que lo persiguen por haber “atentado” contra un monumento público. Al final del film, Pulcinella evade sus perseguidores, y consigue volver a su cama para dormir – y soñar. Ese aspecto libertario y humanístico de la temática ha sido resaltado por el célebre director de cine Federico Fellini, que en carta a los autores ha escrito:

He visto el vuestro “Pulcinella”. Bien, recordaréis cuanto me había gustado “La gazza ladra”, cuánto yo había admirado la fantasía figurativa, la creatividad humorística, el sentido de la fábula y las geniales soluciones gráficas del vuestro trabajo; no creía que hubiérais podido hacer mejor. Con placer les digo que, al contrario, lo habéis logrado. “Pulcinella” es más bello, tiene algo a más, y este “algo más” es preciosísimo y pertenece a la poesia porque se refiere a un sentimento que en el otro trabajo me parecía menos evidente, y es el sentimiento de lo humano, del sufrimiento, de la necesidad insuprimible de la justicia. Vuestro Pulcinella, aun respetando la tradición de la máscara napolitana que lo pretende un clown fantasioso y canallesco, surreal y inmerso en los problemas de la sobrevivencia animalesca, cuenta sobretodo el drama grotesco y conmovedor de un hombre que quiere con toda su fuerzas ser libre. ¿No es así?"

(Tomás Enrique Creus; Entre el teatro y el cine de animación: apuntes sobre la obra de Emanuele Luzzati.)

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