Every Child (Eugene Fedorenko, 1979)

Cada Niño

Canadá | 6 min | Sin Diálogos

Mientras un oficinista trabaja compulsivamente, a su puerta toca un niño abandonado. Al principio todo será lindo y tierno, pero cuando el juego del niño interviene en su labor será hora de que otro cargue con la responsabilidad, dejando al bebé en la puerta de sus vecinos. Así la suerte del pequeño se sorteará de puerta en puerta, hasta que, en el lugar menos pensado, este niño encontrará aquél hogar que la sociedad le ha negado.

"(...) Su trama, como un niño no deseado va pasando de mano en mano, de hogar en hogar donde no es necesario, sobra o simplemente no se le quiere, sirve de excusa para crear una serie de viñetas humorísticas, donde un tipo humano es retratado y satirizado, en un magnífico ejemplo de como el humor puede y debe ser utilizado para llamar la atención sobre las injusticias y miserias de la vida. Un humor que no se limita, como la mayoría de la animación televisiva actual (no me hagan decir nombres) al guión escrito, pudiendo ser calificada como radio ilustrada en la sarcástica expresión de Chuck Jones, sino que renuncia a la palabra por completo, y transmite su mensaje apoyándose en la expresividad única del dibujo animado y la descacharrante banda sonora creada por los actores de doblaje a base de ruidos imitados.

Una expresividad, que como digo, no consiste en replicar la naturaleza, sino en utilizar la libertad del papel en blanco y del lápiz, para hacer visible lo imposible y crear imágenes absurdas que se vuelven verosímiles en la pantalla, como cuando el teléfono del hombre de negocios empieza a rebosar letras por el auricular, en clara ilustración de lo agobiado que está por su trabajo." (Caminado en Círculos)

 

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Rebasenaine (Priit Tender, 2002)

La Zorra

Estonia | 11 min | Ruso c/Subtítulos Español

Un buen día la zorra, a quien le gusta la vida fácil y festiva, decide subir al cielo a visitar a su millonario pero desconfiado tío. Ella puede quedarse en este paraíso mundano pero a condición de comportarse debidamente; sin embargo tal tentación será demasiada para la pobre zorra...

Ambientado supuestamente en el Chile de la época de Pinochet, es tan parecido a Chile como Carlos Gardel al Tibet.

La historia está basada supuestamente en un mito mapuche, pero desfigurado al punto de hacerlo irreconcible. La escena de zorra intentando prostituirse en el cielo es alucinante, al igual  que el Ibis con peinado tipo Elvis Presley, el campo minado con la fotografía de Pinochet o la entrada al Cielo con forma similar a la Casa Blanca o el logo "In God We Trust".  

En síntesis, un corto que se ríe descaradamente de todos los símbolos de la cultura pop norteamericana. (Yefren)

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Crulic: Drumul spre dincolo (Anca Damian, 2011)

Crulic: El camino al más allá

Rumania/Polonia | 73 min | Rumano/Polaco/Inglés c/Subtítulos Español

Narrada desde el más allá por su protagonista, Crulic es un inusual documental animado que cuenta la historia de un hombre de 33 años originario de Rumania que murió de huelga de hambre en una prisión polaca. Crulic fue injustamente acusado de robar las tarjetas de crédito de un juez en Cracovia, el documental recrea la historia de su vida basándose en las evidencias disponibles del caso. El uso de animación tradicional, collage, stop motion y cut-out le añade sutileza y poesía a una trágica historia sensiblemente escrita y visualmente hermosa. (FICG)

Presa de la conmoción ante la muerte de un hombre, cuando la muerte es ralentizada por el ritmo del hambre inducida y la más amarga frustración; acongojada por aquella “contemplación de la propia muerte” vivida por Claudiu Crulic durante la aciaga huelga de hambre que emprendiera en una cárcel de Cracovia, la realizadora rumana Anca Damian se embarca en la documentación de un deceso humano a partir de dos retos formales de amplio espectro: alcanzar la armonía de diversas técnicas de animación en la conformación de un documental artístico, y la buena articulación de una voz narradora en primera persona, la del protagonista muerto ya, quien nos habla acomodado en la ironía desde un “más allá” quizás artificioso; el actor rumano Vlad Ivanov, reconocido por películas como Policía adjetivo de Porumboiu, y 4 meses, 3 semanas y 2 días de Mungiu, entre otras, es el encargado de dar voz al joven Crulic.

Dibujos hechos a mano, stop-motion, técnicas de animación corte por corte y series de collage donde intervienen fotografías y objetos personales de Claudiu Crulic, conciertan el relato de una muerte que palpita por su belleza visual y musical, y por el peso dramático que siente a cuestas el espectador. Claudiu Crulic fue encarcelado de manera arbitraria en Polonia, acusado del robo de unas tarjetas de crédito propiedad de un juez. Desde el primer día de su detención, decide entrar en huelga de hambre. Aplastado por la indiferencia de su país (Rumania), la inoperante justicia polaca y su perseverancia en el ayuno, luego de meses de rigurosa huelga la salud de Crulic se ve deteriorada de manera irreversible. Tarde es cuando el personal médico del reclusorio decide trasladarlo a un hospital civil, donde muere horas después de llegar, sumiendo a Polonia y Rumania en sendas crisis por el escándalo, que arrojaría un ministro rumano de Relaciones Exteriores cesado y tres médicos polacos acusados por la muerte de Crulic.

Anca Damian eligió una singular manera de hacer denuncia social y de ejercer el documental, cobrando para sí valores artísticos inusitados. Con Crulic – el camino al más allá, Damian y su equipo nos han regalado uno de los portentos estéticos más hermosos del cine contemporáneo. (Maximiliano Cruz, FICUNAM)

Anca Damian - Directora

Anca estudió en la Academia de Teatro y Bellas Artes donde obtuvo un diploma en Cinematografía y se graduó con un doctorado en Arte, Cine y Medios.

Anca trabajó como Directora de Fotografía de dos largometrajes (Forgotten by God - 1991 y The way of dogs - 1992) y en varios cortos y documentales, de los cuales casi todos obtuvieron premios nacionales por su Cinematografía. Luego trabajó como directora, guionista y productora en varios documentales premiados.

En 2008, Anca creó su primer largometraje como directora, guionista y co-productora: "Crossing Dates" (Intalniri Incrucisate), una co-producción rumano-finesa, que fue seleccionado para los Festivales Internacionales de Pusan, Goteborg, Pune, Cottbus, Goa y Roma. (crulic.ro)

Subtítulos en Español por Qrosawa

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Subtítulos:

http://www.subdivx.com/X6XMjg0MTYwX-crulic-the-path-to-beyond-2011.html

Impressions en haute atmosphere (José Antonio Sistiaga, 1989)

Impresiones en alta atmósfera

País Vasco (España) | 7 min | Silente

Sistiaga nos sorprende con una nueva obra donde ha utilizado también la animación sin cámara, o sea, el pintado de celuloide; se trata del corto Impresiones en la Alta Atmósfera, ironía sobre el título del film de José Montes-Baquer y Salvador Dalí, Impresiones en la Alta Mongolia. Para ello ha utilizado el formato 70 mm (anteriormente usó el de 35 mm) y lo ha subtitulado «poema visual», dedicado a Nijinsky y Oteiza. Contrariamente a su largo, en éste ha utilizado música y sonidos. Durante 6'30'' se van sucediendo en la gran pantalla multicolores formas circulares que adquieren un dinamismo que en la obra estética inerte ni siquiera puede ser adivinado.

José Antonio Sistiaga (Donostia, Gipuzkoa, 1932)

La obra de Sistiaga en el panorama del cine de animación experimental de nuestro país es la excepción que confirma la regla, y ello por haber realizado el único largometraje abstracto y además sin sonido de la historia, o sea, un film pintado, rallado y manipulado a mano sobre el mismo soporte fílmico, usando la técnica de «animación sin cámara», y llevando a la práctica hasta las últimas consecuencias las teorías que esbozara Leopold Survage en 1921.

Se trata del film ...ere erera baleibu icik subua aruaren... (1968-1970), que pese a su importancia no es citado a veces en obras de autores extranjeros específicas sobre este tema. Tampoco Sistiaga, pese a su particular y personal obra, ha tenido continuidad, pues han transcurrido veinte años entre sus dos experiencias en el cine de animación, este largometraje y su último corto, Impresiones en la Alta Atmósfera (1988-1989).

La incomprensión traducida en hostilidad delante de una obra cinematográfica abstracta o no figurativa como la de Sistiaga se plasmó en una reacción de escándalo por parte del público, como en la presentación de su largo en la Filmoteca de Barcelona, que ya cité antes. El público, aun el especializado, educado en unos moldes audiovisuales basados en la convencionalidad, la rutina y las «buenas formas estéticas, cinematográficas y de cualquier otro género», no admite ninguna «extralimitación» de estas normas. «Normal» viene de norma...

En el libro citado en la Bibliografía37, Práctica fílmica y vanguardia artística en España: 1925-1981, se dan algunos detalles interesantes sobre este largometraje: «(...) En un principio, Sistiaga pensaba desarrollar su proyecto inicial como un enfrentamiento entre una parte dinámica -intervenciones pictóricas sobre el celuloide- y otra estática -compuesta por fotografías-. En el transcurso de los primeros meses de trabajo el autor ha decidido desviar la ideal inicial, prescindiendo de todo elemento representativo (...). El film está compuesto por 67 variantes o fragmentos (incluyendo una larga secuencia en blanco y negro): unos, pintando sobre la película, sin tener en cuenta la división en fotogramas; otros, delimitando el área de cada fotograma a fin de obtener, en la proyección, unas formas concéntricas en perpetua mutación (...).

Sistiaga utilizó diferentes materiales para su realización, pinceles y brochas, tintas de colores y tinta china mezcladas con agua y arena, produciendo a veces incluso pequeñas perforaciones, aprovechando o utilizando la acción de la humedad, el secado y el cambio de temperatura, que originaron grietas, burbujas y formas geométricas, como círculos y rallas reiterativos, así como salpicados y manchas accidentales.

Unsain, por su parte, escribió: «(...) (el film) mostraba durante 75 minutos una continua evolución de formas, colores y estructuras, siendo motivo de irritación, jolgorio o admiración para el espectador».

Y Dominique Noguez lo elogiaba diciendo que era «uno de los más largos y de los más bellos films no figurativos enteramente pintados sobre la película jamás realizados en el mundo»

El historiador italiano Giannalberto Bendazzi39 decía por su parte: «Fue el primer largometraje enteramente pintado sobre película (en CinemaScope), y costó a su autor y a sus colaboradores (los familiares) ocho meses de fatigas, con un promedio de doce horas de trabajo por día».

Veinte años después, Sistiaga nos sorprende con una nueva obra donde ha utilizado también la animación sin cámara, o sea, el pintado de celuloide; se trata del corto Impresiones en la Alta Atmósfera, ironía sobre el título del film de José Montes-Baquer y Salvador Dalí, Impresiones en la Alta Mongolia. Para ello ha utilizado el formato 70 mm (anteriormente usó el de 35 mm) y lo ha subtitulado «poema visual», dedicado a Nijinsky y Oteiza. Contrariamente a su largo, en éste ha utilizado música y sonidos. Durante 6'30'' se van sucediendo en la gran pantalla multicolores formas circulares que adquieren un dinamismo que en la obra estética inerte ni siquiera puede ser adivinado. (Biblioteca Miguel de Cervantes)

En los años 50 y sobre todo en los 60, muchos artistas plásticos se consagran al campo del cine experimental (después al del vídeo), imitando lo que había ocurrido en los años 20, principalmente en Europa, con Fernand Léger, Hans Richter, Viking Eggeling, Man Ray o Marcel Duchamp. Este movimiento, en el que las prácticas se cruzan y se alimentan las unas a las otras, tuvo en España y tiene su máxima expresión en José Antonio Sisitaga, el autor vasco de Ere Erera Baleibu Icik Subua Arauren. (Metraje Encontrado)

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Midnight Dance (John McCloskey, 1996)

Danza a medianoche

Irlanda | 6 min | Silente

Una deslumbrante interpretación de la composición clásica "Danza macabra" de Saint-Saëns, protagonizada por esqueletos que bailan un vals en un cementerio.

El cortometraje original se puede encontrar en el DVD - Short Cinema Journal vol 6 (Insanity) (Octubre 1999).

En el cortometraje original utiliza un pieza (audio) de Camille Saint Saens - Danza Macabra, Op.40. Escrita en 1874, basándose en el poéma de Jean Lahor (Henri Cazalis). (por Cristian Errejon en YT)

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The Metamorphosis of Mr. Samsa (Caroline Leaf, 1977)

La Metamorfosis del Sr. Samsa

Canadá | 10 min | Sin Diálogos

La Metamorfosis del Sr. Samsa es un trabajo interesante y digno de ser visto en la medida en que, adaptar al film las obras de dicho escritor no es una tarea nada simple, en contraste con la simpleza de la técnica empleada por la animadora en su elaboración: modelado de figuras en arena fina sobre una placa de vidrio con un fondo de luz, aportando esta combinación la creación de un ambiente lúgubre y claustrofóbico, que enfatiza en las sombras y elimina prácticamente los detalles, perfecto para una adaptación Kafkiana.

Leaf se desmarca de las tendencias actuales en el cine de animación, donde la tecnología ha invadido todo y reivindica su labor de artista en manipulación contínua con los materiales: "Nunca me ha parecido interesante utilizar ordenadores para desarrollar mi trabajo como animadora. Me gusta meter las manos en los materiales, manipularlos. Ver cómo materiales inertes cobran movimiento y toman cualquier forma que mi mente sea capaz de imaginar", dice la artista. 

Obra acreditada con numerosos premios, entre los que destacan la Mención Honorífica (Categoria Arte y Cultura) del International Film and Video Festival, Columbus 1980; Premio Especial del Jurado, International Animation Festival, Ottawa 1978; Premio de la Crítica, International Animated Film Festival, Annecy 1977; entre otros.

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Eveready Harton in Buried Treasure (E. Hardon, 1929)

Eveready Hardon en Tesoro Enterrado

Estados Unidos | 7 min | Silente (Intertítulos en Inglés)

Eveready Horton inicia una aventura por el campo para satisfacer sus deseos sexuales. Cortometraje cómico con gran carga erótica realizado a finales de los años 20.

Cuenta la leyenda que 'Buried Treasure' fue una animación hecha en homenaje a Winsor McCay, un caricaturista y animador anterior a la era Disney, que de hecho marcó un estandar que más o menos seguiria don Walt.

La hicieron tres animadores de tres estudios diferentes de la siguiente manera: El animador A hace la primera parte y le entrega al animador B (sin darle pistas de lo que hizo) el último dibujo para que la continúe y a su vez haga lo mismo con el animador C. Nadie vió el resultado final hasta el día de la presentación.

Es posible que la existencia de este corto de animación no haga demasiada gracia a todo el mundo, por ejemplo a Sarah Palin y sus amigas las “madre tigre” del Tea Party, máxime al conocer que en él estuvieron involucrados de una forma u otra los muy norteamericanos creadores de Betty Boop, El Pájaro Loco y El Capitán Nemo, además de, al parecer, gente de la Disney, pero desde su recuperación en los festivales de cine de San Francisco (¿dónde si no iba a ser?) y su inclusión en la cinta recopilatoria “The Good Old Naughty Days” su popularidad en internet al margen del circuito típicamente X ha sido imparable. Podrá resultarles vulgar en sus planteamientos y pedestre en su ejecución (otros lo calificaríamos de “encantador”), con el agravante de emplear un vehículo tradicionalmente infantil para tocar, a medida que avanza, casi todos los palos (masturbación, sodomía, zoofilia, lactancia erótica, enfermedades venéreas –en inglés “crabs” significa por igual “cangrejos” y “ladillas”-, etc.), sin embargo, quien más o quien menos, todos nos hemos sentido en alguna ocasión como el pobre Eveready Harton, seguro que incluso Christine O’Donell y la propia Palin, demonios, ¡seguro que incluso el Santo Padre!, y además, ¿quién es capaz de detener la difusión de un chiste? ¡Ni siquiera los nazis pudieron hacerlo!

Hoy se sabe que nació como una broma para homenajear al pionero de la animación Winsor McCay en su cumpleaños (McCay fallecería no mucho después) y que tres diferentes estudios neoyorkinos trabajaron en él de forma independiente, a saber: el de Max Fleischer (¡asqueroso judío!), los Van Beuren Aseop Fables Studios de Paul Terry y el responsable de las tiras cómicas de Mutt and Jeff, que pasan por ser las primeras en haber sido publicadas en forma de daily strips.

De acuerdo con la leyenda, “Eveready Harton in Buried Treasure” se reveló en Cuba ante la displicencia de los laboratorios norteamericanos, y su estreno (privado) congregó a parte de la flor y nata de los profesionales de la animación: George Stallings (Disney), George Canata, el mexicano Rudy Zamora (“Los Pitufos”) y Walter Lantz (“Oswald el Conejo Afortunado”, “Andy Panda”), también responsables del corto según otras fuentes, y es de suponer que Fleischer y Paul Terry, un evento al que se refirió en cierta ocasión el animador de Disney Ward Kimball, con el que nos despedimos por hoy (¡no olviden supervitaminarse y mineralizarse, amigos!):

“Ninguno de ellos había visto realmente el resultado de su trabajo hasta la noche del gran show, ya que habían operado por separado. Pero un par de tipos que estuvieron allí me comentaron luego que el techo del hotel casi se viene abajo a causa de las risas” (Jota Pego en Doctor Ojiplático)

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